Bienvenidos una vez más a este nuestro blog de Joróbate Flanders! Durante estas últimas semanas del auge y (no) caída del asteroide 2024 YR4 hemos tenido la excesivamente tardía secuela del Hulk de Marvel en forma de una incomprendida cuarta película del Capitán América donde Sam Wilson (Anthony Mackie) asume finalmente el gigantesco legado de su buen amigo Steve Rogers (Chris Evans) , se ha presentado el trailer de la T2 de Andor (la serie de Star Wars precuela de la película Rogue One) , y los doblajes con IA parecen estar cerca de ser una preocupante realidad.

Pero hoy no hablaremos de todo esto, sino del polarizante final que ha tenido Dragon Ball Daima, el anime póstumo del fallecido hace ya un año Akira Toriyama. Como la serie de momento solo ha sido distribuida en nuestro país en VOS en plataformas como Crunchyroll o Netflix (y determinados comentarios de algunos de los actores de doblaje parecen sugerir que este retraso se debería a un cambio de ciudad y reparto, pero ese es otro tema) y por tanto habrá no pocos fans que hayan preferido esperar para verla, aviso desde ya de SPOILERS, así que os dejamos con esta curiosa actuación de Kylie Minogue en Antena 3.

Corrían las navidades de 1997 cuando en el especial "Mangas & videogames" de Hobby Consolas, donde se podían leer las mejores obras del segundo concurso de manga de la veterana revista de videojuegos, una magnífica ilustración del personaje de Son Goku me sorprendió enormemente: resulta que después del super saiyan 3 (o "mega guerrero", como se le conocía erróneamente por entonces) que la mayoría de nuestra generación conocimos en España gracias a la película Fusión, había una supuesta cuarta transformación que desconocía por completo.

A lo largo de los meses posteriores, a base de reportajes y cartas varias en las grapas de la serie amarilla y azul (así como reediciones que de vez en cuando iban llegando a los kioskos de la anterior serie roja) fui descubriendo de donde había salido esto.

Una vez que en 1996 había terminado la emisión en Japón de Dragon Ball Z (en tanto el doblaje castellano llevaba ya más de 2 años estancado en la saga de Cell) , había empezado de inmediato una continuación que esta vez sería exclusiva de Toei para televisión, y sin supervisión de Toriyama más allá de algún diseño de personajes y varias ilustraciones promocionales. 

Dragon Ball GT (supuestas siglas de Great Touring, "el gran viaje") prometía recuperar el espíritu de la añorada por muchos primera serie, con una trama en la que Goku había sido retrocedido de forma accidental a su infancia por Pilaf, Shu y Mai usando las desconocidas y más peligrosas bolas de dragón originales de estrella negra que creó Kamisama cuando aún no se había separado de Piccolo Daimaoh, y además de extenderse no por la Tierra sino por todo el universo, si no se encuentran en un año, sería destruido el planeta en que se utilizaron, por lo que el héroe saiyan debe viajar junto a Trunks, Pan (la hija de Gohan y Videl) y el robot Giru (que, en el forzoso primer aterrizaje, se come el radar del dragón para recargar sus baterías) en la nave "Tako" de Bulma para encontrarlas.

Tras muchos rumores y preguntas sobre cuando y como se iba a emitir la serie en España (incluido, como era habitual, el típico invent man que te aseguraba en el patio del colegio que ya la había visto) por fin en los intermedios del final de la saga de Cell en verano de 1998 en el Club Megatrix de A3 veíamos este anuncio: cada 3 semanas, Manga Films (quien ya había distribuido las películas y los dos especiales de televisión de Z) lanzaría un nuevo VHS con 3 capítulos en cada cinta.

Como ya sabemos, DBGT no tuvo demasiada acogida en su día, terminando el 19 de noviembre de 1997 con tan solo 64 episodios y otro especial (donde conocíamos 100 años después a Goku Jr, el tataranieto de Pan), y en junio de 2015 (tras dos películas previas) se estrenaba (de nuevo con Toriyama junto con Toyotaro, autor del manga fan DB AF) Dragon Ball Super, que sería una nueva visión de los 10 años transcurridos entre la derrota del malvado Majin Bu y el torneo 28º de artes marciales donde Goku decide entrenar a Ub, el niño que se reencarnó del monstruo heredando su enorme ki, dando la serie anterior por descartada dentro del canon. ¿O no?

Como también ha venido ocurriendo con las precuelas de Star Wars, las generaciones que en su día se criaron con GT la han ido reivindicando, y, junto a la habitual presencia en videojuegos de Goku super saiyan 4 o villanos como Ih Shinron (el dragón malvado surgido de la corrupción de las bolas de dragón por su excesivo uso, trama extraída de un comentario casual del viejo Kaioshin cuando resucitaron a todas las víctimas de Bu) y el tsufur Baby (el único superviviente de la inteligente raza que habitaba el planeta Vegeta o Plant antes de ser invadidos por los saiyans) , los rumores, bien de una película o una continuación, habían sido constantes a lo largo de esta década de nuevos proyectos, sin que fueran confirmados o desmentidos. Y entonces, en 2023 se presentaba este intrigante trailer en el contexto del 40 aniversario de la primera publicación en Shonen Jump el siguiente año.

El hecho ya de por sí importante de que por fin conociéramos un lore tan poco desarrollado como es el mundo de los demonios que lideraba Dabra hasta ser poseido por el mago Babidi quedaba de forma inevitable eclipsado por el hecho de ver a Goku y todos sus familiares y amigos convertidos en niños, subiendo la apuesta de GT, ahora sí, de forma "oficial". 

Pero esto no se ha quedado aquí, ya que los paralelismos a lo largo de este breve pero intenso anime de 20 episodios han sido constantes, desde el equipo que forma Goku junto al agente doble Glorio y la octogenaria adolescente Panzy (que vendrían a ser la contrapartida de Trunks y Pan) a la estructura dictatorial de los 3 mundos demoniacos que gobierna el villano principal Gomah (siendo el más duro el último de ellos) similar al planeta de mercaderes de Immegga. Y, sobre todo, Goku una vez más había ocultado una nueva transformación conseguida mediante duros entrenamientos.

Después de que el misterioso anciano namekiano Neva hiciera a un agotado Goku recuperar sus fuerzas en la pelea contra un Gomah al que el oculus terciano o "tercer ojo" le otorga un ki ilimitado, volvíamos a ver después de casi 30 años en televisión al super saiyan 4, en un impactante rediseño a medio camino con la breve fusión con Vegeta del episodio 60 de GT.

Por supuesto, ahora surge la gran pregunta: ¿como encajan en Super detalles como este o que Vegeta conozca (aunque se niegue a llamarlo así) el super saiyan 3 que hasta ahora solo habíamos visto en el Raging Blast 2? Vayamos por partes.

Lo primero, hay que dejar claro que no es cierto que DB Super haya quedado fuera del canon como algunos temen y otros desean, ya que en un episodio se menciona un detalle clave, y es la existencia de 12 universos con sus respectivos dioses, siendo el séptimo donde ocurren las aventuras de nuestros protagonistas, además de un tal Rymus que, aunque con un diseño algo diferente (que puede deberse a que nunca le habían visto) bien podría ser Zeno Sama, el "Dios de todo", o su equivalente de la creación.

Pero, supongamos que nada de esto es importante. Que un día Toyotaro retoma sin más el manga de Super (ojalá que por fin con la continuación del anime, que permitiría ver por fin en Sparking Zero a personajes como Black Freezer, Granola, el hechicero genocida Moro o el "ultra ego" de Vegeta) sin que sepamos por qué no vimos tal o cual transformación, o que Shin y Kibito vuelvan a estar fusionados. Y, ¿realmente sería un problema?

Como podemos comprobar haciendo una relectura rápida, Toriyama nunca se caracterizó por un desarrollo a largo plazo, tirando más de improvisación que otra cosa. 

Por ejemplo, posiblemente nunca imaginó (aunque lo sugiriese Oolong en cierta ocasión) que el protagonista fuera un extraterrestre, siendo su cola y su transformación en mono gigante ohzaru tan solo uno más de tantos detalles pintorescos de un mundo donde vemos, como si de Bojack Horseman se tratara, a animales antropomórficos vivir entre humanos sin llamar lo más mínimo la atención (y alguno de ellos con poderes no menos inquietantes, como son el Rey conejo o Akkuman), y que uno de ellos sea el rey de todo el planeta, concepto este el de las 43 regiones a su vez que tampoco existía hasta la batalla contra Piccolo, como evidencia el curioso erróneo camuflaje que el ninja Murasaki utilizó para tratar de engañar a Goku.

En esta misma saga de la Red Ribbon se nos mencionaba que en la antigüedad existían muchas nubes Kinton hasta que desaparecieron por la creciente maldad en la Tierra para luego saber que hay una sola nube gigante en la torre de Karin, quien habría sido quien le regaló la suya a Kame Sennin o Mutenroshi, y no Kamisama como el anciano maestro inmortal dijo en su día, al que ni siquiera conoce hasta el 23º torneo, sin olvidar tramas exclusivas del anime como el falso creador del androide Nº8 o el propio supuesto origen de las bolas de dragón que Muten narra a Krilin y Lunch.

Mucho tiempo después, descubriríamos que Kamisama procedía del planeta Namek, y no tardaría en olvidarse la carta de sus padres en la extraña nave en la que llegó para explicarse que estos seres son asexuales y nacían de huevos puestos en la boca como hacía Piccolo Daimaoh, sin tener tampoco explicación de por qué este antagonista no tenía hijos namekianos sino criaturas monstruosas. Quizá por esto en Daima hemos sabido que la raza namekiana procede del segundo mundo demoniaco, con un clima idéntico al del planeta destruido por Freezer.

Y del tirano galáctico toca hablar ahora, ya que en La batalla de los dioses descubrimos que no destruyó el planeta Vegeta (solo) por odio y temor a los saiyans, sino que por encima de todo fue una misión del dios de la destrucción Lord Beerus, al que todavía ningún guerrero Z está cerca de acercarse al que sea el límite de su poder, pese a que la primera vez que el anciano Kaioh Shin habló de como le encerró en la espada Z aseguró que no era más fuerte que Bu, del que ya no sabemos si siempre existió, si fue creado por Bibidi, o se hizo en el primer mundo demoniaco, quizá siguiendo órdenes de este.

Pero, como ya desarrollamos en el artículo sobre Vegeta, ningún arco es tan definitorio de esta contínua reinvención que hacía Toriyama como el de Cell. Un villano que ni siquiera estaba planificado en primer lugar hasta que, primero el ex-editor de Jump Kazuhiko Torishima (en quien se basó el Doctor Mashirito, el archienemigo de Sembei Norimaki en Dr.Slump) y posteriormente su sucesor Yu Kondo le obligaran a renunciar como enemigos principales a los androides Nº19 y el doctor Gero convertido a sí mismo en el 20 (a los que de hecho Trunks nombra como los que había destruido su mundo futuro) para que luego el hijo de Vegeta y Bulma no los conozca porque en realidad eran los hermanos gemelos adolescentes Lapis y Lázuli o Nº17 y 18.

El propio origen de Cell resultaría de lo más inconsistente, empezando porque Trunks programase la máquina del tiempo (se especifica que se limitó a pulsar el botón de arranque) a un año antes de su primer viaje, en un momento en que estaba transcurriendo la saga de Freezer, o esa extraña frase del anime (sí, esta vez la traducción francesa acertó) de una supuesta predicción de Gero de que la Tierra quedaría destruida en 10 años. 

Y sí, ya sabéis qué viene ahora: Cell alegando que no se le podía matar mientras no fuera destruido un órgano regenerativo que tiene en la cabeza, obviando que Goku le había arrasado con un kame hame ha de centura hacia arriba, lo que se intentó arreglar en una misión secundaria del ARPG de mundo abierto DBZ Kakarot en la que es resucitado con las bolas de dragón, contestando el bioandroide cuando es interrogado sobre el asunto "¿qué te hace pensar que revelaría una información así?". También resulta un tanto confuso que de repente recupere (con más poder) el estado perfecto pese a no tener ya en su interior a la androide 18.

Queda claro pues, que, como pasa con Marvel y las continuas desapariciones y regresos de ciertos personajes como la mutante Jean Grey, en Dragon Ball nunca ha existido un verdadero canon. Lo importante es que nos sepa dar un buen entretenimiento, y, con algunos altibajos, Daima lo ha conseguido con creces.

¿Qué os ha parecido Dragon Ball Daima? ¿Se os ocurren más incoherencias? Como siempre, podéis poner todo esto en los comentarios.

¡Hola a todos! En efecto, por fin llegamos a nuestro primer Comprador de Springfield de la temporada, nuestro espacio de noticias y opinión en Joróbate Flanders.

No, no hablaremos del inesperado éxito de La revuelta (convertido en el primer rival serio que tiene Pablo Motos y su Hormiguero en más de una década) , ni de la nueva separación de La oreja de Van Gogh, lo cual no tendría sentido porque ni siquiera este es un blog de música.

Hoy volvemos al debate del streaming, y más concretamente de como, con el paso de los años, las políticas han ido cada vez a peor para el usuario. Empecemos:

Aunque parece que sea una creación reciente, lo cierto es que Netflix cumplirá el próximo 2025 10 años de presencia en España. 

Por fin teníamos lo que tanto pedíamos: un servicio que a un precio asequible que permitiera ver un gran número de series y películas pudiendo prescindir de una piratería en ese momento suponía o grabaciones del propio cine con todo lo que eso conllevaba (¿recordáis los screeners? ¡ah, los 80!) o, en el caso de las series, capturas de la televisión con sus respectivas "moscas", cortes bruscos donde irían las pausas publicitarias, y fansubs de cuestionable fiabilidad.

Desde el principio, surgieron las cuentas compartidas gracias a la opción de elegir el número de pantallas y calidad según la tarifa, y aunque se pueda objetar no sin razón que esta práctica siempre estuvo en el limbo de la "alegalidad", lo cierto es que la propia plataforma era la primera que no solo hacía la vista gorda en vista del beneficio que recibían, sino que además lo promovía abiertamente desde sus perfiles de Twitter.

Después de unos primeros años donde una gran parte de la producción audiovisual (y no solo sus muchas exclusividades) estuvieron concentradas en Netflix, pronto llegaría la inevitable competencia. Prime Video, HBO (hoy Max), Disney+... de pronto tenías que ir cambiando de una a otra si querías estar al día de unas series que por otro lado iban pasando de emitirse cada 6 meses-un año como era lo habitual a poco menos que superproducciones de Hollywood divididas por capítulos que tardan dos o más años en estrenarse, si es que no la cancelan sin más y la borran de la existencia sin ni siquiera lanzarla en formato físico.

Más allá de la antigüedad de este famoso meme y de que varias de esas plataformas no han llegado nunca a nuestro país, lo cierto es que en efecto la piratería nunca se fue de nuestras vidas, sino que por el contrario ahora contaban desde el principio con la propia fuente para poder conseguir descargas en 1080 o inclusive 4K con idéntica calidad a la que ofrece el streaming.

Así, durante la pandemia ya vivimos un primer fenómeno masivo de descargas cuando, Warner en EEUU, y Disney a nivel internacional, pretendieron prescindir de los cines o al menos tenerlos como segunda opción, con grandes estrenos de la talla de Space Jam: nuevas leyendas, Wonder Woman 1984, Viuda negra, Cruella, etc, directos al streaming, que en el caso de Disney suponía un alquiler premium aparte de 21€. Ni qué decir que todas ellas fueron importantes fracasos económicos en todos los soportes, aunque en un principio estos aseguraran estar satisfechos con el rendimiento del live action de Mulán con el que pretendían desembarcar a lo grande en el mercado chino.

Y, mientras la oferta seguía fragmentándose (lo que no impide no obstante que haya no pocas películas fuera del mainstream que no se pueden encontrar en ninguna plataforma) y los precios iban subiendo cada vez más, en 2023 llegó la noticia que muchos quisimos creer en un momento que sería algo puntual: 

Netflix habia decidido empezar a poner coto a las cuentas compartidas, y lo que es peor, a poner planes que incluyeran pausas publicitarias, lo cual, lejos de perjudicarles como cabía esperar, les ha dado si cabe más beneficios, por lo que Disney+ es la siguiente que se ha unido a estas nuevas políticas, y yendo un paso más allá en el caso de la publicidad abriendo la posibilidad futura de incluirla en todas sus ofertas, como si de Pluto TV se tratara.

¡Bienvenidos a la tele que salvó de la cancelación a La casa de papel!

¿Cual será el siguiente paso? Disney habló la pasada primavera de la posibilidad de incluir canales temáticos sobre Star Wars, Los Simpson, y demás franquicias. Lo normal sería pensar que simplemente se trataría de canales FAST opcionales como los que ya existen en plataformas como RTVE Play, Atresplayer o Mitele, así como los numerosos clones de la mencionada Pluto que cualquiera puede ver ya en sus flamantes Smart TV. 

Pero, viendo que plataformas como Netflix o Prime ya han empezado a ofrecer retransmisiones deportivas, quizá no sea tan descabellado un escenario a medio-largo plazo donde nos quiten el que era el gran atractivo de las plataformas en primer lugar: el de poder ver lo que queramos sin depender de horarios prefijados huyendo de las guerras de contraprogramación.

¿Es la piratería la única opción? Eso en Joróbate Flanders lo dejamos a la conciencia de cada uno. Pero no conviene olvidar ese viejo proverbio de que la avaricia rompe el saco. Como siempre, podéis opinar de todo esto en los comentarios.

Hola, amigos de Joróbate Flanders en estos días tan calurosos. Aunque aún quedan unas semanas para el "40 de mayo", el verano ya está llegando con fuerza. 

Este va a ser un verano de grandes estrenos. Mientras que en la gran pantalla ya tenemos Furiosa (el primer spin off/precuela del universo de Mad Max) y la pre-venta de entradas de Deadpool y Lobezno bate records demostrando que el universo Marvel sigue vivo pese a sus altibajos, a Max (ya sin el prefijo HBO) está a punto de llegar la esperadísima segunda temporada de La casa del dragón.

Por supuesto, hay también quien aprovecha estas fechas para volver a ver series que disfrutaron en su día, o para descubrirlas por primera vez. Y para estos últimos, hoy, en nuestro último artículo de la temporada de Joróbate Flanders, repasaremos de nuevo algunos clásicos y en qué plataformas pueden verse (parte I aquí) . Empecemos:

Mortadelo y Filemón

La historia de los 2 desastrosos agentes de la TIA creados por Francisco Ibáñez siempre ha ido íntimamente ligada a la animación. No en vano, su estilo de humor tan ágil lleno de acción (alejado del tradicional estilo Bruguera donde se desarrollaba lentamente el gran gag final) bien puede recordar el de Tom y Jerry o los personajes de Looney Tunes.

Solo 8 años después de su primera publicación en la revista Pulgarcito (1966) ya empezaron a producirse por parte de Estudios Vara los primeros cortos para el cine, que fueron recopilados a modo de largometraje en "Primer Primer festival de Mortadelo y Filemón" y "Segundo festival de Mortadelo y Filemón", mientras que en 1971 se estrenaría "El armario del tiempo", que mantenía la estructura episódica aunque con una continuidad entre los mismos.

Aunque fueron grandes éxitos de crítica (sobre todo la última) , al parecer no resultó tan rentable como cabría esperar, y durante las 2 siguientes décadas la presencia de MyF en la "caja tonta" se limitó a anuncios de lo más diverso, desde refrescos Mirinda o colecciones de cromos a por supuesto los propios álbumes de la Colección Olé, en aquellos tiempos en que aún se podían encontrar tebeos en los kioskos.

En 1992, el Grupo Zeta (propietaria entonces de los derechos de la antigua Bruguera, hoy en manos de Penguin) se hacía con el control de una incipiente Antena 3 Televisión, y tan solo 3 años después empezaba a emitirse Mortadelo y Filemón, la serie animada. 

En principio la cosa no podía pintar mejor. Esta vez se contaba con una gran ventaja con respecto a los cortos de Vara que era la de contar ya con un considerable catálogo de historias largas que poder adaptar, y una producción a cargo de la gran referencia de la animación patria que era BRB. ¿Cumplió las expectativas?

Pues... sí y no. Aunque se adaptaron aventuras de lo más míticas como "El sulfato atómico" (que, respetando la cronología, fue el primer episodio) "La estatua de la libertad" o "¡Soborno!" entre otras, la animación resultaba excesivamente tosca y a veces se perdían algunos gags o eran suavizados con respecto al comic, además del extraño añadido de un ratón (doblado por Rafael Calvo) que hacía comentarios sarcásticos sobre el dúo protagonista como si del perro de La familia Trapisonda se tratara.

Pese a todos estos problemas, esta serie tuvo una considerable acogida que creó una nueva generación de lectores de Mortadelo y Filemón. Actualmente, podéis encontrarla tanto en Filmin como en el propio canal oficial de BRB, que además ofrece la interesante posibilidad (eso sí, sin subtítulos) de verlos en el doblaje en inglés para EEUU, donde fue conocida como "Mort & Phil"

Oliver y Benji 

Sí, en un año de Eurocopa no podíamos dejar pasar Captain Tsubasa, el legendario manganime de Yoichi Takahashi que cuenta la historia de Tsubasa Ozora (Oliver Atom en el doblaje castellano procedente de Italia) que trata de convertirse en una estrella mundial de un deporte tan ajeno a Japón (y más en los 80) como es el fútbol.

Aunque hasta el momento ha habido hasta 4 series televisivas (la última a día de hoy inédita en España) y 13 OVAs que narraron el Mundial sub16 que enfrentó a nuestros protagonistas contra la Alemania del "kaiser" Karl Heinz Schneider, la que causó más impacto en nuestro país fue la primera, emitida por primera vez por Telecinco nada más empezar sus emisiones en 1990 como "Campeones" (y posteriormente rebautizada Oliver y Benji) .

Esta primera serie empieza cuando Oliver (en adelante usaré los nombres occidentales si me lo permitís) llega a la ciudad de Nankatsu, donde conoce a quien se convertirá en su mentor, Roberto Sendinho, la gran figura del fútbol brasileño ya retirado, y empieza una rivalidad con el portero Benji Price, siendo el primero que logra marcarle un gol en el partido entre los 2 equipos locales, el modesto Newpi y el poderoso San Francis.

Tras este partido que queda empate a 2, se forma el "Newteam" entre los mejores jugadores de toda la región para participar en el campeonato nacional de fútbol juvenil, donde conoceremos a otros grandes jugadores como los gemelos Derrick, Phillip Callahan, Julian Ross, y por supuesto, el principal antagonista de la serie, Mark Lenders, que trata de conseguir una beca con la que poder ayudar a su familia y a la vez seguir jugando al fútbol.

Tras muchos años sin reposiciones, la pasada Navidad Oliver y Benji volvía a las pantallas españolas (y remasterizada, pudiendo ver por primera vez las pantallas de título originales) como parte de la programación infantil de fin de semana de Neox, y con ello la totalidad de los 128 episodios de esta primera serie fueron subidos a Atresplayer, con la posibilidad añadida de verla (con anuncios, claro está) usando simplemente una cuenta gratuita.  A la espera de que por fin llegue el nuevo anime, es una buena oportunidad de volver a disfrutar los orígenes.

Aquí no hay quien viva 

Saltemos ahora al año 2003, cuando una A3 que atravesaba una grave crisis de audiencia estrenaba sin demasiada publicidad la que parecía destinada a ser otra de tantas series condenadas a un final prematuro y un pronto olvido.

Con una poco disimulada influencia de la obra del ya mencionado Ibáñez, en este caso 13 Rúe del Percebe (lo que se evidenciaba con una tipografía en el logo de la serie que recordaba a la de Mortadelo y Filemón) Aquí no hay quien viva arrancaba con la llegada de la joven pareja formada por Roberto Alonso (Daniel Guzmán) y Lucía Álvarez (María Adánez) al decimonónico edificio de Desengaño 21, donde tienen continuos conflictos con el sempiterno presidente de la comunidad Juan Cuesta (José Luis Gil) y su mujer Paloma Hurtado (Loles León) además del cotilleo en "Radio Patio" de las ancianas Marisa Benito (Mariví Bilbao) su eternamente despistada hermana Vicenta (Gemma Cuervo) y su amiga Concepción de la Fuente "Concha" (Emma Penella) quien a su vez es la gran archienemiga de Juan.

Este coral reparto se completaba entre otros con Mauri Hidalgo (Luis Merlo) y Fernando Navarro (Adriá Collado) quienes formaban una de las primeras parejas homosexuales de la historia de la ficción española, el arruinado matrimonio formado por el corrupto empresario Andrés Guerra (Santiago Ramos) y la muy mística Isabel "la hierbas" Ruiz (Isabel Ordaz) o Paco (Guillermo Ortega) el friki dependiente del videoclub "El planeta de los vídeos" de los bajos del edificio, sin olvidar como no a quien se convertiría en la estrella de la serie, Fernando Tejero, que interpretaba a Emilio Delgado, el portero de la comunidad y el mejor amigo de Cuesta.

Tras unos irregulares comienzos, el boca-oreja empezó a hacer efecto y, unido al gran éxito en el cine de Días de fútbol, ANHQV empezó a subir vertiginosamente en audiencia hasta el punto que el ritmo de rodaje se volvió demasiado exigente, llegando a terminarse con un solo día de antelación, lo que supuso que en apenas 3 años se emitieran la friolera de 91 episodios repartidos en 5 temporadas en las que se sucedieron los cambios de actores y la entrada de otros en su lugar.

Actualmente, su serie "hermana" La que se avecina continúa tras 17 años su emisión en T5 (con preestrenos previos en la plataforma de streaming Amazon Prime Video) mientras que la original se ha convertido en poco menos que Los Simpson españoles, con ininterrumpidas reposiciones que llegan hasta nuestros días en la cadena de TDT Atreseries, con un ritmo de emisión absolutamente caótico donde en un solo día se pueden llegar a ver episodios de 3 temporadas diferentes.

Por suerte, los que quieran disfrutarla en orden tienen diversas opciones para ello, ya que actualmente ANHQV se ofrece en un considerable número de plataformas: Atresplayer (que además tiene subidas a Youtube el primer episodio de cada una de las temporadas) Max, la mencionada Prime Video, Tivify y Netflix, si bien en esta última no encontraréis el episodio "Érase un Belén" de la tercera temporada, debido al disfraz de Baltasar del personaje de Mariano (Eduardo Gómez) y el consiguiente "blackface". ¡Qué follón!

Como siempre, podéis sugerir más series en los comentarios. Disfrutad del verano, nos vemos de nuevo en septiembre.

Tras un mes lleno de noticias, despedimos abril retomando otra de nuestras series de Joróbate Flanders, la de la metatelevisión (partes I y II aquí) .

Y es que, al contrario que cierto escritor de género fantástico, nosotros, aunque tardemos en ello (¡algún día retomaremos lo de las series que no triunfaron, lo prometemos!) siempre intentamos mantener al día nuestras series de artículos, y otras nuevas que irán llegando próximamente. Dicho esto, empecemos con nuestras series de hoy:

La película secreta de McBain (Los Simpson)

Una vez más toca hablar de nuestros queridos Simpson. Tras la experimental primera temporada, la 2 empezó una tradición que ha seguido hasta nuestros días (con los inevitables desfases temporales que ha provocado la prolongada longevidad de la serie) que es la de aquellos capítulos que nos explican el pasado de alguno de los miembros de la familia de Evergreen Terrace.

Pero lo importante no es esto, sino lo que desencadena la narración de Homer y Marge sobre como se conocieron reencontraron en el instituto en aquel "Así como éramos" estrenado el 31 de enero de 1991, cuando el televisor se avería mientras ven a 2 críticos de cine debatir acaloradamente (llegando al insulto personal) sobre una muy violenta película de acción, McBain.

Quizá todo lo que vino después no estaba previsto y simplemente la escena en cuestión era una forma como cualquier otra de poder introducir un diálogo parodiando un programa tan popular entonces como el que presentaban los ya fallecidos Gene Siskel y Roger Ebert, pero sea como fuere, Rainier Wolfcastle (obvia referencia a Arnold Schwarzenegger y su eterno acento austriaco) se fue convirtiendo en una aparición recurrente, ya fuese de nuevo en televisión (con Bart asustado por el villano) o con Abe y Jasper saliendo del cine decepcionados por el film.

Y sí, no es un error que hable en singular, ya que el fandom, siempre observando incesantemente cada mínimo detalle de los episodios, descubrió que entre las temporadas 2 y 4 siempre habríamos visto escenas de una misma película, desarrollando montajes completos de la misma en Youtube para demostrarlo.

Con toques a medio camino entre James Bond (lo cual resulta acertado si tenemos en cuenta que en ese momento su actor protagonista más reciente era Timothy Dalton, que le dio un tono más cercano a la acción ochentera que al espionaje) y la saga Arma letal, esta es una película en la que, después de desoir su estricto jefe sus avisos sobre él, el senador Mendoza, supuesto filántropo que se dedica al narcotráfico, asesina al compañero de McBain, que estaba a punto de jubilarse, por lo que decide vengarse al margen de las autoridades.

Clara Valle (Paquita Salas)

Tras largos años en los que la comedia española se veía en su mayor parte limitada por el estilo de serie familiar que impuso Médico de familia, la llegada del streaming ha impulsado producciones que eran imposible imaginar hasta hace no tanto tiempo. 

Una de las más primeras y más exitosas (primero en Flooxer, y posteriormente en Netflix) fue Paquita Salas (Brays Efe) que a lo largo de 3 temporadas nos narra con tono de falso documental la historia de una antaño exitosa representante de artistas que se ha quedado anclada en los años 90, con apariciones recurrentes de quienes serían actualmente sus únicas representadas, Lidia San José y Belinda Washington, interpretándose a sí mismas.

En el 1x03, Paquita viaja a su pueblo a ver a su madre, y allí conocemos a Clara Valle, quien se había quedado a vivir allí para huir del escándalo de unas fotos trucadas de forma muy chapucera por la secretaria de la agencia, Magüi (Belén Cuesta, la falsa rehén Julia Martínez "Manila" de La casa de papel) para fingir así una carrera de éxito, haciendo referencia a lo ocurrido con Anna Allen en 2015.

Aunque esto ya de por sí era muy metarreferencial (Clara es interpretada por Claudia Traisac, quien, al igual que la actriz a la que homenajea, se dio a conocer por Cuéntame como pasó) lo verdaderamente importante ocurriría en la tercera temporada, cuando una serie de acontecimientos en cadena hace que su paradero salga a la luz, y se ruede un biopic sobre su historia.

Y, en uno de los momentos más impactantes de la historia de la ficción española (o al menos para los que, al contrario que un servidor, no se enteraron antes de tiempo de la noticia) el círculo se cerraba con el papel de Clara siendo respresentado por la mismísima Anna Allen, que reaparecía así tras casi un lustro alejada de la vida pública, con un monólogo como climax de la película que venía a ser una disculpa a los espectadores. 

Desde entonces, Allen ha vuelto a trabajar con cierta regularidad retomando su personaje de Cuéntame (convirtiéndose en la gran antagonista de la última temporada revelándose que su militancia antifranquista nunca existió, quizá como otra referencia a todo lo ocurrido) así como un cameo en otra de las producciones de "los Javis", el biopic sobre la vida de Cristina Ortiz "la Veneno".

El muro (Solar Opposites)

En 2020 llegó al servicio de suscripción Hulu (propiedad, como no, de Disney) Hulu (estando disponible en España en Disney+ desde febrero de 2021 dentro de su sección adulta Star) una nueva serie del más que polémico co-creador de Rick and Morty, Justin Roiland. 

A pesar del más que parecido aspecto gráfico de la serie con su hermana mayor, e incluso unos primeros capítulos muy parecidos entre ambas series, Solar Opposites ha resultado ser una serie mucho más loca que su hermana mayor: Si en Rick and Morty les costaba muchísimo seguir una trama, e incluso hacían bromas al respecto, aquí directamente pasan completamente de ella, para ser una sucesión de historias locas de los “Solar Opposites”.

Ah, sí, como olvidar el capítulo aquel del "padre-en-apuros-verso"

Pero la serie sí que iba a tener una trama, pero dentro de su meta-serie. Los “replicantes” Yumyulack y Jesse, se dedican a empequeñecer a todo aquel que les molesta, para después depositarles en una especie de terrario que tienen en su habitación y al que llaman “El muro”. Al final del segundo capítulo de la serie, nos descubren que dentro de ese muro hay toda una civilización, en la que se ha implementado una dictadura por un personaje llamado “El duque”.

Durante las 3 temporadas, durante capítulos sueltos (fácilmente identificables por sus locos títulos, como “Korvo y Terry Roban un Oso” o “Los Solar Opposites Casi Consiguen una Xbox”), se desarrolla esta trama de la sociedad en el muro, y como se dan lugar rebeliones, sectas, enfrentamientos contra insectos y todo tipo de aventuras, unido a como se organizan en la sociedad debido a la falta de alimentos, como crean las armas a partir de lapices, punzones, caramelos y demás pequeños objetos, y todos los problemas derivados a vivir en un muro empequeñecidos en la habitación de dos adolescentes alienígenas, han hecho que mucha gente esté mas enganchada a esta subserie que a la serie principal.

Sin entrar en más spoilers, al final de la tercera temporada, que es la última temporada emitida a la fecha de publicación del artículo, todo apunta a que tendremos una nueva subtrama, dejando de lado a nuestros amigos diminutos y enfocándonos esta vez en el espacio y la vuelta de un enemigo de la familia ¿Será esto el fin del muro o volveremos a vivir aventuras en él?

No, "Un día grande para Pupa" no es un capítulo del muro sino uno donde guardan cola durante todo el episodio

Como siempre, podéis sugerir otras series en los comentarios. Dedicado a la memoria de Roger Ebert y Gene Siskel.

3 años después (sí, antes de cierto problemilla que hubo en China) vuelve a Joróbate Flanders nuestro repaso a esas producciones que, aunque pasen desapercibidas para el algoritmo de turno, no por ello resultan menos interesantes. Empecemos:

Electric boogaloo: la loca historia de Cannon Films (Filmin)

En los 80, las ventanas para el formato físico (el único que había más allá de las salas de cine) no eran tan breves como ahora. Eran los tiempos, como ya apuntamos en nuestro anterior artículo de opinión, del "¡por tiempo limitado!" de Disney y de piratería de muy baja calidad para suplir los 2 años que podían llegar a tardar en salir determinados títulos como ET.

En aquel contexto, los videoclubs se llenaron de cientos de saldos de cuestionable calidad y mucha acción desenfrenada con algo de erotismo. Los años dorados (?) de Chuck Norris, del ya veterano Charles Bronson, y otros de gloria más efímera como Michael Dudikoff y su trilogía de American Ninja (o, en nuestro país, "El guerrero americano") . Todo ello, además, salía de una misma productora.

Hablamos por supuesto del peculiar productor israelí Menahem Golan, que, tras arrasar en su país con la comedia adolescente Lemon Popsicle (que aquí algunos recordarán por las parodias que les hicieron los chicos de Muchachada Nui) decidió dar el salto a Hollywood junto a su primo Yoram Globus adquiriendo la hasta entonces semidesconocida productora Cannon Films.

Son muchas las surrealistas y delirantes anécdotas que se cuentan en Electric Boogaloo (que debe su título a la estrambótica secuela de uno de sus mayores éxitos de taquilla) desde su habilidad para vender películas de las que ni siquiera existía guión con tan solo un poster (que a menudo mostraban metralletas) a la ruptura profesional y personal de Golan y Globus que terminó con sendos estrenos sobre el baile de la lambada que fracasaron.

Pero lo que no mucha gente conoce son las pretensiones artísticas de Menahem, que soñaba con ganar en grandes festivales. Así, lo que ganaban con este tipo de producciones, lo invertían en directores de prestigio como Franco Zeffirelli (quien tiene las prácticamente únicas palabras elogiosas hacia ellos a lo largo del documental) o Jean-Luc Godard, con quien firmaron en una servilleta de restaurante. 

Lamentablemente, no parecían ser conscientes de su mala fama y nunca llegaron a crear un sello específico para este tipo de cintas, por lo que el logo de Cannon sentenciaba a todas estas películas sin llegar siquiera a verlas. Una de estas grandes incomprendidas fue El tren del infierno, thriller basado en un guión de Akira Kurosawa que valió a Jon Voight su tercera nominación al Oscar.

A la espera de que algún día exista por fin una forma legal de ver en España "The Go-go boys" (documental producido por los 2 primos tras renunciar al otro y que, como se apunta en los créditos, acabó por ver la luz unos días antes) Electric Boogaloo es una cita imprescindible en Filmin para los muchos seguidores que tiene el cine de los 80.

The toys that made us (Netflix)

¿Documentales sobre juguetes? Yo también me hice esa pregunta cuando en Twitter empecé a ver comentarios sobre esta serie. Pero, sorprendentemente, el tema tiene mucha más miga de lo que pueda parecer.

A lo largo de 3 temporadas, se nos narra la historia de franquicias tan populares como Barbie (que ayuda a entender cierto episodio de Los Simpson) Hello Kitty, Tortugas Ninja, Power Rangers o las figuras de Star Wars entre otras, con un montaje lleno de cierto humor irónico que recuerda al de los típicos realitys que solemos ver en la TDT.

El más interesante (dado su carácter autoconclusivo, no es necesario verla en orden) es el episodio de He-Man (con aparición del entonces CEO de Mattel, nada menos que Tom Kalinske) donde se reconoce abiertamente la improvisación rozando el morro total con el que se hizo la serie animada con tal de poder vender aquella línea de figuras que nadie era capaz de entender en un principio.

Si bien la buena acogida que tuvo esta serie ha dado pie a un no menos interesante spin off dedicado a cine, no es menos cierto que varios de esos títulos (Cazafantasmas, Regreso al futuro) ya cuentan con extras de lo más completo en sus respectivas ediciones físicas y no se aporta mucho más a lo ya conocido, así que se echa de menos que Netflix apueste por fin por una nueva etapa del documental principal, que aún podría dar mucho juego con, por ejemplo, la guerra entre Pokémon y Digimon.

Empire of dreams: The story of the Star Wars trilogy (Disney+)

Cuando a finales de los 90 hizo su aparición el DVD, desde el principio uno de los títulos más demandados fue alabado sea el simio la primera trilogía de Star Wars, que había gozado de numerosos relanzamientos a lo largo de los años en VHS y laser disc hasta llegar a la tan criticada remasterización de 1997 y los cambios que eso supuso en el ya de por sí enrevesado canon de la franquicia de George Lucas.

Durante años, Lucas aseguró que solo saldría un pack de toda la hexalogía, y los lanzamientos individuales de La amenaza fantasma y El ataque de los clones (cada una con un disco adicional con 4 horas de documentales, escenas eliminadas, etc) y la extraordinaria edición que recibió entre medias la entonces trilogía de Indiana Jones no hacían sino elevar más si cabe el hype.  Por fin, el director se echó atrás, y en octubre de 2004 (esto era, a solo 6 meses del estreno mundial de La venganza de los sith, que también recibiría un tratamiento similar) veían la luz en DVD los episodios IV, V y VI.

Superada la desilusión inicial (no era el montaje original que muchos reclamaban, sino un tercer remontaje que corregía parcialmente algunos problemas del anterior pero hacía otros controvertidos añadidos como la aparición de Hayden Christensen en El retorno del jedi) esta fue otra gran edición de las que ya casi nunca se hacen, con audiocomentario para cada película y documentales varios.

El más interesante de todos era sin duda Empire of dreams, que justificaba por sí solo esta edición con su duración de 2 horas y media, narrando al detalle la pre-producción y rodaje de los 3 films y los problemas que tuvo George Lucas inicialmente para conseguir que Fox apostara por ello tras el rechazo de, entre otros (sí...) Disney.

Con el tiempo, este pack fue desapareciendo de las tiendas para dar paso a ediciones individuales de cada una de las películas que, aunque en una calidad muy mejorable, por fin tenían los montajes inalterados a modo de extra en el disco 2. Tampoco se incluyó en las sucesivas ediciones posteriores que a partir de 2011 han ido llegando en blu ray, así que la única forma de verlo hoy en día (y además, reescalado a HD) es a través de Disney+. 

Aunque hoy en día se haya quedado algo anticuado con todas las producciones cinematográficas y televisivas actuales, y siendo un producto "oficial" no se profundice en temas delicados como el trato recibido por David Prowse (Darth Vader) que este narró en el documental español "I am your father", Empire of dreams sigue siendo más que recomendable para incondicionales de la saga.

Como siempre, podéis hacer más recomendaciones en los comentarios.

Aquí estamos una vez más con la sección que, como los eclipses, no es frecuente pero tampoco tan rara como gusta hacer creer: el apartado de noticias y opinión de Joróbate Flanders.

No, no vamos a hablar del emocionante e intrigante final de La casa del dragón (que deberíamos repasar en profundidad para poder alcanzar a recordar mínimamente todo lo que ha pasado en estos 10 capítulos como suele ocurrir con la obra audiovisual de George RR Martin) ni de la inminente cancelación por parte de TVE del peculiar concurso Mapi, que demuestra una vez más como las televisiones siguen aferradas a mediciones poco fiables del siglo pasado que al llamado "share social".

De nuevo, toca hablar de uno de nuestros temas preferidos, el de las plataformas de streaming. Muchos queríamos aferrarnos a que "solo era una prueba en el extranjero" o lo comparábamos con cuando se decía que MSN Messenger (¡ah, los 80!) o Facebook pasarían a ser de pago si no reenviábamos un power point espantoso a nuestros contactos. 

Pero el temido día ha llegado: una Netflix que, pese al estancamiento de abonados y al cada vez mayor número de competidoras, ha mejorado en beneficios, ha confirmado que habrá que pagar un recargo por compartir perfil, lo que hacían muchos usuarios para repartir gastos ante las continuas subidas desde que se instaló en España en 2015.

Dejando a un lado el delicado precedente que esto sienta de cara a otras compañías, esto se une a otra controvertida decisión que parecen estar queriendo impulsar con estas restricciones: una tarifa más económica que, además de la lógica pérdida de calidad en la imagen, supone la inclusión de pausas publicitarias como si del gratuito Pluto TV se tratara.

¿El futuro del streaming?

Hay quien ha defendido esto último diciendo que "es una opción voluntaria". Claro. Sin embargo esto bien podría resultar ser un arma de doble filo. 

Y es que, como bien apunta Hobby Consolas, estamos ante algo que puede empezar a crear limitaciones en la libertad creativa de nuestras series preferidas, ya sea por como replantear la estructura de los episodios para introducir las pausas, o que, como ocurre con la televisión tradicional, las marcas pongan trabas a determinados contenidos.

Entre tanto, la esperada llegada este verano de la mítica sitcom Dinosaurios a Disney+ ha venido con una desagradable sorpresa: el redoblaje en algunos episodios (regresando, eso sí, Juan Perucho como el entrañable Earl Sinclair) y la supresión del 2x09, aquel en que se hacía una crítica a las drogas, que curiosamente sí se podía ver al menos hace un año en EEUU, lo que se une a los casos ya conocidos de Los Simpson o Community en Netflix, así como otro en el que no tanta gente ha reparado: "Érase un Belén", uno de los episodios más importantes en cuanto a la continuidad de Aquí no hay quien viva.

Este se mantiene. De momento.

Un caso particularmente pintoresco (que a fecha de escribir este artículo, aún no ha llegado a nuestro país) es el que ha ocurrido con The big bang theory. Este cambio (respaldado por Jim Parsons, el gran Sheldon Cooper) se trata de la eliminación de la primera escena del episodio piloto de la sitcom. 

Aquella escena (de lo poco que se conservó del curioso episodio descartado originalmente) en que Sheldon y Leonard (Johnny Galecki) van a una clínica a donar semen para así poder pagar una mejor conexión a internet. En esta ocasión, Chuck Lorre ha alegado que la razón es meramente creativa, ya que se da a entender un interés de Sheldon en el sexo que contrasta con el personaje que todos conocemos.

No voy a hablar de todos los demás errores de guión que tiene la por otra parte divertida TBBT porque el muy recomendable canal de DayoScript ya se encargó de ello al detalle. 

Pero este no fue el único episodio de la primera temporada donde Sheldon mostró interés por las mujeres, como demuestra aquel de la fiesta de halloween donde trata sin éxito de impresionar a unas amigas de Penny (Kaley Cuoco) con un disfraz de "efecto doppler". Y es que ese es el encanto de los comienzos de las series, el ver como los personajes evolucionan de una manera que ni los propios guionistas pudieron preveer, como expliqué en uno de nuestros artículos más exitosos.

Y mientras muchas de estas series son difíciles de encontrar en formato físico o directamente nunca han existido en nuestro país, también van surgiendo problemas con el cine. 

No seré yo quien proteste por la desaparición de cierto gag de las "tomas falsas" de los créditos de Toy Story 2 que hoy día resulta incómodo de ver sabiendo los, ejem, problemas legales de su director John Lasseter. 

Pero lo cierto es que, a día de hoy aún muchos son los films de Disney que siguen sin llegar a nuestro mercado en formato 4K, incluso en casos como el de Cruella, que está rodada específicamente para ello.

Y las que sí salen (así como las que se quedan en blu ray) han ido viendo como sus contenidos adicionales se han ido reduciendo sensiblemente, ya que se están reservando para el streaming, como son los completos making of de películas Pixar como Lightyear o Red, o escenas elininadas/alternativas, como es el caso de Vengadores: La era de Ultron, con una Carol Danvers aún no interpretada por Brie Larson.

Y por si esto fuera poco, han desaparecido extras donde sí los había, y ni siquiera el hecho de que sean contenidos que pertenecen a la gigantesca factoría de Mickey Mouse garantizan ya su presencia indefinida en streaming, como se ha demostrado con el reciente reestreno de Avatar (no, no es la segunda parte) y el próximo ya anunciado de Titanic, que ha supuesto que ambas películas hayan sido retiradas de la plataforma, lo que parece anticipar a medio-largo plazo el regreso de aquello que oíamos en los trailers en VHS de "¡por tiempo limitado!" o, lo que es lo mismo, el Disney Vault. 

Situaciones todas estas que pueden suponer lo que el nacimiento del streaming trató de frenar, el regreso de la piratería a gran escala.

Como siempre, podéis opinar sobre todo esto en los comentarios.

Noviembre de 2017. Mientras La que se avecina y el retorno de Operación triunfo se disputan el liderato del prime time, se despide sin hacer mucho ruido de la parrilla de Antena 3 otro de tantos intentos que de tanto en cuando intentaban romper con un modelo de ficción nacional que seguía estancado desde los tiempos de Médico de familia, el de las "dramedias" de 70 minutos con diferentes subtramas dirigidas a cada miembro de la familia, desde el niño al abuelo. Nadie sabía quien era la "señora de Cuenca", pero su poder era absoluto.

Meses después, actores que en España apenas sí eran conocidos de pequeños papeles aquí y allá tenían fans en medio mundo. La cara dibujada de Dalí aparecía en manifestaciones y partidos de fútbol. Cuando quisimos darnos cuenta, La cabina ya no era nuestra única producción con un Emmy. Netflix había convertido una serie que se había despedido con un exiguo 12% de share en un fenómeno social comparable al de los grandes éxitos de Hollywood.

Pese a que el final resultaba aparentemente cerrado, que La casa de papel tendría continuación exclusiva de la plataforma de streaming era un hecho, y ahora quedaba saber como se podría superar la apuesta, en una gigantesca historia que se ha prolongado durante 3 años y 26 episodios hasta llegar a la conclusión de la que hemos podido disfrutar esta semana. 

Por supuesto, una vez más he de avisar de SPOILERS, así que si aún no lo habéis visto, os dejamos con el programa Personas que se parecen a cosas.

A menudo hay antagonistas que, por el buen trabajo del actor de turno y el oscuro carisma del personaje representado, acaban adquiriendo progresivamente un cierto aire de verdaderos protagonistas. Ocurrió con JR Ewing, ocurrió con Darth Vader, y sin ir más lejos con otra serie del mismo creador Álex Pina, la temida reclusa Zulema Zahir en Vis a vis interpretada por Najwa Nimri.

Dejando a un lado el hecho de que quizá se hayan ignorado en demasía "ciertas" tramas de la primera temporada, no cabe duda de que Andrés de Fonollosa "Berlín" (Pedro Alonso) ya ha entrado a formar parte de esa lista, estando ya anunciada por sorpresa una futura precuela en forma de spin off del excéntrico atracador.

En torno a los flashbacks del hermano del profesor (Álvaro Morte) ha girado toda esta segunda etapa de la serie. Mientras se nos daban muy a cuentagotas los detalles de su ambicioso plan para robar las reservas de oro del banco de España, se nos mostraban diversas historias sobre su pasado, desde su amistad con Palermo (Rodrigo de la Serna) a su tormentoso matrimonio con otra ladrona que se hacía pasar por pianista, Tatiana (Diana Gómez) . 

A estos peculiares "Bonnie y Clyde" de guante blanco se unía en la primera mitad de la quinta temporada Rafael (Patrick Criado) hijo de Andrés y respetable ingeniero que acaba adquiriendo la vocación del "oficio" familiar en un espectacular robo de oro vikingo en Dinamarca. Aquello empezaba a causar malestar entre el fandom porque no parecía aportar demasiado a la trama... ¿o sí? 

Si en la fábrica de moneda y timbre, Raquel Murillo (Itziar Ituño) fue "la única fisura de un plan perfecto" esta vez, como ya intuíamos en Joróbate Flanders, ha sido el amor (o mejor dicho, el desengaño) lo que esta vez ha podido ser la perdición de la banda de los Dalís. 

Y es que Tatiana y Rafael (convertidos ahora en pareja) , al oír por televisión que estaba en marcha aquel antiguo plan del que le hablaba con todo detalle su fallecido ex-marido en medio de sus, ejem, "noches románticas", desplegaron una patrulla de falsos policías capturando al profesor y al resto de sus hombres del exterior en el mismo estanque de tormentas donde estaban extrayendo el oro.

Por si esto fuera poco, en el interior, una vez caída Tokio (Úrsula Corberó) , finalmente los supervivientes del batallón militar liderado por el comandante Sagasta (José Manuel Seda) , en un astuto plan digno de sus enemigos, conseguían detener a los "Dalís" tras desactivar su compañera Arteche (Jennifer Miranda) las bombas colocadas por todo el edificio. Esta vez sí, todo había acabado. Incluso el mismísimo Sergio Marquina parecía darse por vencido, dirigiéndose al banco para estar con sus compañeros.

A lo largo de estos 5 episodios de más tensión que nunca (aunque con menos escenas de acción que de costumbre) se ha jugado con un cierto paralelismo con el primer atraco. Así, vimos a Denver (Jaime Lorente) y Estocolmo (Esther Acebo) reconciliarse en una cámara acorazada de la misma forma que en su día la protegió (cuando era una rehén más) de las represalias de Berlín por esconder un móvil, al Profesor y Lisboa encadenados del techo como el primero en aquel momento en que por fin ambos reconocieron sus sentimientos, y lo más importante: otro cambio de bando.

Aunque su carrera en la policía ya había terminado por culpa del coronel Tamayo (Fernando Cayo), no fue hasta que el profesor le protegió tras un intento fallido de chantaje a cambio de su libertad que Alicia Sierra (interpretada por la ya mencionada Najwa Nimri) pasaba a unirse a la banda para poder empezar una nueva vida con su hija recién nacida. Tras conseguir negociar con éxito con la banda rival, finalmente quedó desvelado el detalle final que ni siquiera conocía Murillo, única a quien había revelado el "plan París" con el que fue liberada en la T4.

Una vez más, La casa de papel ha sido sobre todo una crítica al funcionamiento del sistema financiero. Si los miles de billetes de 500 impresos fueron comparados por el profesor con los rescates bancarios tras la crisis de 2008, esta vez Tamayo (quien, fuera de sí, había llegado a ordenar la ejecución de toda la banda) no tuvo más remedio que aceptar que en la caja fuerte se metieran toneladas de oro falso hecho con simples latas.

El mero hecho de que la sociedad creyera que había sido recuperado había recuperado la confianza de los mercados evitando de esta forma la quiebra del país con lo que ello conllevaba, y así, siendo dados por muertos por todos sus admiradores, no solo conseguían huir con su valioso botín, sino que lo hacían bajo la protección del estado mediante falsas identidades.

Aunque no ha sido perfecta (a menudo las tramas personales de los personajes han ralentizado demasiado la trama principal, quedando el nuevo personaje de Manila interpretado por Belén Cuesta como un mero recurso para un triángulo amoroso) este ha sido un muy satisfactorio final de serie que hasta el último minuto ha sabido mantener el interés. ¿Conseguirán la serie de Berlín, así como el también anunciado remake coreano, estar a la altura de este gran legado? Es pronto para saberlo, pero en Joróbate Flanders estaremos aquí para hablar de ello.

Como siempre, podéis opinar en los comentarios.