sábado, 6 de marzo de 2021

Wandavisión: arranca la fase 4 de Marvel (SPOILERS)

 



Tras casi 2 meses después de nuestras primeras impresiones en Joróbate Flanders, este viernes llegó el lanzamiento más esperado de Disney+: el final de Wandavision, el primer spin off televisivo del universo cinematográfico de Marvel. 

Antes de empezar con el comentario, debo avisar eso sí que habrá SPOILERS, así que si no lo habéis visto aún, amén de avisar que ni se os ocurra entrar en Twitter, os dejo disfrutar mientras con el gato y ratón favoritos de Europa del Este, Proletario y Parásito.






La pregunta inevitable que surgió desde el principio era, ¿por qué convertir el pequeño pueblo de Westview en un escenario de sitcoms? Esto me hizo pensar como ya dije en el Mojoverso, la dimensión donde un malvado extraterrestre mantiene esclavizado a todo un planeta mediante sus programas de televisión.

Pero de momento el concepto de los mutantes se mantiene en stand-by con la excepción del divertido cameo de Evan Peters como una misteriosa persona que se hace pasar por Pietro Maximoff para descubrir los secretos del enorme poder de Wanda (Elizabeth Olsen) .

De esta forma, en el episodio 1x08 se nos revelan más detalles de su dramático pasado, en el que comedias como Embrujada, I love Lucy, La tribu de los Brady, los problemas crecen o las más recientes Malcolm in the middle y Modern Family le ayudaban a evadirse de la soledad.




Si las 3 primeras fases del UMC estuvieron en su mayor parte centradas en la ciencia ficción, este nuevo ciclo, a juzgar por 2 de las películas por llegar, que son Doctor Strange in the multiverse of madness y la intrigante Shang-Chi and the legend of the ten rings, estará fundamentalmente marcado por un nuevo subgénero dentro del cine superheróico: el de la magia. 

Si en su día "bruja escarlata" fue el nombre en clave puesto por su padre Magneto a Wanda como parte de su Hermandad de mutantes, ahora es un ser legendario cuyo poder podría rivalizar con el del hechicero supremo

Todo esto le es mostrado a Wanda por Agnes (Kathryn Hahn) con una identidad secreta en forma de estereotipo de vecina cotilla que se desvela en este episodio final como Mefisto la bruja de Salem Agatha Harkness, personaje habitual en los comics de los 4 fantásticos que le instruyó en su poder.




Tras ser Agatha aparentemente derrotada, Wanda decidió desmantelar su microuniverso, despidiéndose así de las ilusiones de Vision (Paul Bettany) y sus hijos. O quizá no sea así del todo, puesto que la nueva creación de SWORD parece no haber dicho su última palabra. Pero, ¿y qué fue del cameo sorpresa que tanto se anunció? 

Aparentemente se debió tratar del mismo Pietro hace varios episodios, puesto que lo que vimos en una de las escenas postcréditos, si bien es interesante de cara al futuro, supo a poco con el hype creado: 

Se trata de Soren (Sharon Blynn) la esposa del skrull Talos (Ben Mendelsohn) que ha ido a buscar a Monica Rambeau (Teyonah Parris) tras mostrar también indicios de una poderosa habilidad de cara a ese "algo" de lo que apenas hemos visto hasta ahora indicios en Spiderman: lejos de casa. 

¿Está creando Nick Furia (Samuel L Jackson) su equivalente del UMC a los Saqueadores estelares de los que Carol Danvers (Brie Larson) llegó a formar parte? Y de ser así, ¿será el imperio Shi´Ar el próximo gran enemigo de los Vengadores y no Galactus como cabría esperar?




Volviendo a la serie propiamente dicha, quizá el episodio más flojo fue el 1x04, que mostró una sobre-explicación demasiado prematura de todo lo que estaba ocurriendo en torno a Wanda, si bien se agradeció tener un mayor desarrollo de personajes hasta ahora muy secundarios: la científica Darcy Lewis (Kat Dennings) , amiga de Thor (Chris Hemsworth) y Jimmy Woo (Randall Park) el agente del FBI encargado de vigilar el arresto domiciliario de Scott Lang (Paul Rudd) .

Los siguientes episodios supieron mantener un adecuado equilibrio entre comedia y acción hasta llegar al climax de la doble batalla final de este episodio 1x09, que si bien por supuesto no es un Endgame, tiene una factura de lo más brillante para tratarse de un producto televisivo. 

También cabe destacar la segunda escena postcréditos, que parece anticipar la caída de Wanda en su lado oscuro. Y los que conocemos bien al personaje más allá del cine y la televisión sabemos las imprevisibles consecuencias que ello puede tener.





Por último, felicitar al equipo del doblaje de la serie, que aunque tuvo cambios con respecto a las películas (en algún caso de forma demasiado abrupta) ha sabido hacer un extraordinario trabajo, desde la traducción de todas y cada una de las canciones de introducción de los episodios (más el tema de Agatha) a un detalle que muy pocos han observado.

Y es el hecho de como, de forma aparentemente despectiva (o al menos deshumanizadora) el otro antagonista de la serie, el director de SWORD Tyler Hayward (Josh Stamberg) siempre se refiere a "La Visión", que es el nombre que este personaje siempre tuvo en las traducciones al castellano del comic.





Estupenda primera serie Wandavision. ¿Podrá estar la siguiente a la altura de un listón tan alto como este? Aquí estaremos en Joróbate Flanders para hablar de ello.

viernes, 26 de febrero de 2021

Los personajes que querríamos ver en Smash Bros (3)

 



Por fin llegó lo que muchos esperábamos: un nuevo Nintendo Direct tras una ausencia incluso más prolongada que en los tiempos finales de Wii U cuando el secretismo con Switch era absoluto. 

La sensación fue de que (salvo el sorpresivo anuncio de Splatoon 3) se quedó a medio camino, y es comprensible: 

De Metroid Prime 4 ya no hemos vuelto a saber nada desde que se anunció que Retro Studios volvía a coger las riendas de la franquicia, y el único Zelda que vimos fue un remake de Skyward Sword, uno de los últimos grandes títulos que tuvo Wii en su inmenso catálogo, cuyo precio de 60€ ha hecho resurgir la controversia que ya hubo con Super Mario 3D All Stars.

Acaso incluso sorprende un poco que de pronto resuciten (¡con modo historia!) un juego casi olvidado como Mario Golf dado el poco cuidado que se ha dado a los decepcionantes últimos títulos de Mario Tennis, juego que en sus primeras versiones portátiles tenían unos interesantes toques cercanos al género RPG que podrían dar mucho juego a nivel online. 

También cabe destacar la edición física del exitoso ARPG Hades, la reedición de Legend of mana (juego de Square para PS1 que no llegó al mercado europeo) Ninja Gaiden master collection, o el free-to-play Star Wars: Hunters.





Pero esto no es lo que nos ocupa, al menos hasta cierto punto. Una de las cosas que se anunció de antemano es que habría información sobre Smash Bros, lo que solo podía significar el cuarto de los 6 personajes del Fighter pass 3. Este de nuevo fue un punto polémico por como una vez más Masahiro Sakurai parece haber hecho gala de su peculiar sentido del humor hacia ciertos sectores del fandom.

Si en artículos anteriores (links aquí y aquí) comentábamos el exceso de espadachines, toma 2 tazas: Pyra/Mythra, personajes de Fire Emblem Xenoblade Chronicles 2 que literalmente son espíritus surgidos de espadas, lo que se une a "trolleadas" anteriores como la piraña mascota de Waluigi como primer DLC (que se vende aparte de los FP tras haber sido regalado a las primeras reservas) , que uno de los skins de Luigi sea la ropa de su archienemigo, o la indumentaria mii de King K Rool en Smash Bros 3DS/Wii U (si bien con este último acabó recogiendo cable incluyéndolo ya de inicio en Ultimate) .




A la espera de saber qué nos depararán los 2 anuncios restantes, hoy retomamos en Joróbate Flanders nuestra ronda de sugerencias para los mismos. Empecemos:


Kazuma Kiryu (Yakuza)


Como siempre, internet va un paso por delante nuestro



Tras pasarse más de una década dándose palos, Sega ha decidido con el final de Yakuza 6 darle un merecido descanso al duro y carismático yakuza, dejando por cerrada su historia y dando paso a Ichiban Kasuga, así que, ¿qué mejor sitio donde descansar que en Smash Bros?


Debido a la naturaleza de los juegos, está claro cual sería el estilo de lucha de Kiryu, siendo un personaje de combate cuerpo a cuerpo, y pudiendo, al igual que en los juegos, cambiar de estilo de combate, está vez con abajo + B, entre sus 3 característicos modos, Brawler, equilibrado entre fuerza y velocidad y permitiendo contraataques, Rush, que como su nombre indica se centra en la velocidad, permitiendo esquivar y ser más veloz que los enemigos, y por último Beast, convirtiéndole en un tanque y centrándole en los lanzamientos y en recibir golpes.

 
Al igual que ocurría con Entrenador Pokémon, cada estilo tendría sus propios especiales, siendo estos los famosos “Heat Actions” aparecidos durante la saga. Como no, su escenario sería la ya clásica Kamurocho, dando esto juego a añadir un montón de cameos. Por último, su Smash final, y ya que contamos con los “Heat Actions” no podría ser otro que contar con la ayuda del Perro loco de Shimano, ¿Quién mejor que Goro Majima para ayudar a Kiryu-chaaaaan?



Cambiarán la sangre como en el smash final de Joker, pero ¿y lo que molaría?




Dixie/Kiddy Kong (Donkey Kong Country 3)






El lore de la franquicia Donkey Kong es tan amplio que bien daría para un árbol genealógico que ni  Juego de tronos o los antepasados de Peter Griffin, desde Pauline hasta el prota de DK 3 que nunca le importó a nadie pasando por la curiosa serie de animación 3D basada en la trilogía DK Country que en España pasó ni pena ni gloria por la programación infantil codificada de Canal+.




En la infravalorada tercera entrega (ya totalmente eclipsada por una Nintendo 64 que acababa de salir en Japón) Chocu Diddy Kong era secuestrado junto a su ¿padre? ¿tío? ¿alguien lo sabe? Donkey Kong pasando a ser Dixie la protagonista con la ayuda del bebé Kiddy, hermano pequeño de Chunky.

Dada la naturaleza cooperativa de estos juegos, Dixie y Kiddy serían una vuelta de tuerca a un concepto ya clásico de Smash que regresó en Switch tras las limitaciones técnicas que lastraron la doble entrega de Nintendo 3DS y Wii U: el de los hermanos Ice Climbers. 

Así, Dixie usaría sus coletas para golpear a sus enemigos o planear hacia un lugar seguro sin olvidar el clásico movimiento rodador de los otros gorilas que ya hemos visto, mientras que Kiddy puede ser usado para ser lanzado y aplastar, como hacía en DKC3 para acceder a algunas fases de bonus. 

Su smash final sería por supuesto Bird banana, el pájaro que vencía a King K Rool una vez desbloqueabas el auténtico desenlace del juego al completar el 103%.




Boo





Por supuesto, no puede faltar en nuestra lista un personaje de la franquicia de Mario, que a fin y al cabo, aunque a veces se nos olvide, este es un juego de Nintendo.

Sí, como ya hemos visto, en Smash Bros caben ya personajes tan variopintos como una planta piraña, Pacman o un periférico fracasado, ¿por qué no un clásico de los enemigos molestos que es ya todo un veterano de la saga tenística?

Boo hizo aparición por primera vez en Super Mario Bros 3, donde debías permanecer quieto para que no te atacara. Su cualidad habitual (salvo en Mario 64, donde se les puede pisar para obtener monedas azules, equivalentes a 5 normales) es la de ser casi indestructible salvo en el caso de tener estrellas o (en el caso del primer juego) el disfraz martillo.

Al igual que Canela y Aldeano, Boo podría almacenar objetos (haciendo guiño a lo que tantas amistades ha roto en Mario Kart) , la cualidad del teletransporte le haría tan escurridizo como en Mario Tennis (usando de paso la raqueta como golpe smash) y un contraataque que se valiera de la invisibilidad temporal, al estilo de Fulgore en Killer Instinct. El smash final sería Rey Boo, uno de los jefes del hoy reivindicado en Switch Super Mario Sunshine.




Coimo siempre, podéis sugerir otros personajes en los comentarios.

viernes, 19 de febrero de 2021

Auge y caída de Bongo: Los extraños argumentos de Simpsons Comics

 





Muchos de vosotros habréis visto el encabezado. Quizá incluso lo hayáis tenido en vuestra pared. Se trata de un poster con prácticamente todo personaje habido en Los Simpson a lo largo de los 90, quizá el producto más icónico del inmenso mundo de merchandising en torno a esta serie. A quien quizá no conozcáis es a su autor, Bill Morrison.

En 1993, Los Simpson estaban en su máximo auge de popularidad. La creación accidental de Matt Groening para no perder el control creativo de su tira cómica Life in hell se había convertido ya en un mito de la historia de la televisión a nivel internacional.

Aunque teóricamente estaba dirigida a un público adulto, ya entonces buena parte del merchandising estaba dirigido a un público infantil que, en el caso de España, poco menos que debía verla a escondidas gracias al VHS, debido a un horario en que debían estar ya en la cama, el de las 23:00 horas en TVE2. 

En ese sentido, el producto más popular (con decenas de reediciones que llegan hasta nuestros días) fue la "Guía para la vida", donde el hijo mayor de Homer y Marge, Bart Simpson, daba peculiares consejos para ser como él, y que estaba ilustrado por Morrison.



Nada dice más "los 90" que esto


Quizá fue el éxito de este libro (que venía precedidos de otros que recordarán con cariño los fans de cierta edad como el album familiar o los "juegos para días de sol/lluvia") el que hizo que Groening cerrara de alguna forma el círculo llevando a la familia de Springfield a compartir el mundo del que no quiso sacar a su otra creación, fundando junto a Morrison la editorial Bongo Comics, que recibía dicho nombre de uno de los protagonistas de Life in Hell, el hijo del conejo antropomórfico Binky.




Varias fueron las series que pasaron por Bongo hasta su desaparición en 2018. Futurama, Bob Esponja... inclusive un proyecto personal de Bill que duró 6 números, Roswell, ambientado en el Nuevo México de los 50. 

Por supuesto, la estrella era Los Simpson, que además de una serie principal de 245 números, contó con numerosos spin offs protagonizados entre otros por Bart, Rasca y Pica, Krusty el payaso o el superhéroe Radiactivo Man, así como, al igual que la serie televisiva, su propia saga anual de La casa árbol del terror, que a menudo contaba con artistas invitados.






La opinión del fandom sobre esta colección siempre estuvo dividida. El comic y la televisión son soportes completamente diferentes, y algunos puristas no aceptaban que desde el principio se alejaran del limitado realismo de aquella primera etapa de la serie para ofrecer unos argumentos un tanto extraños. Hoy analizaremos algunos de ellos en Joróbate Flanders:


The amazing colossal Homer




Si algo ha caracterizado a la ya longeva segunda etapa como showrunner de Al Jean (aparte de abandonar de forma abrupta interesantes tramas anteriores como Barney dejando la bebida o la relación sentimental de Seymour Skinner con Edna Krabappel) es la impresión de que muchos capítulos se escriban pensando primero en un título más o menos ingenioso para luego intentar encontrar un argumento que lo justifique.

Esto mismo es lo que encontramos en numerosas portadas de Simpsons Comics, que parodian clásicos de Marvel y DC. Así las cosas, ya en el mismísimo Nº1 podíamos ver a Homer caracterizado como el primer enemigo de la historia de los 4 fantásticos, el hombre topo.

Por primera vez hacía su aparición un personaje recurrente exclusivo del comic, el doctor Olberman, estereotipo de científico loco (¿y por qué no usar directamente a Frink?) que trabaja en un sótano de la central nuclear del multimillonario Montgomery Burns. 

Monty, preocupado por su avanzada edad tras ser incapaz de abrir una caja, le ordena a Olberman crear un rayo rejuvenecedor que primero prueba con Homer. El proyecto tiene efectos desastrosos, ya que lo único que consigue es convertirle en un gigante que podría destruir toda la ciudad. 

Cuando está a punto de llegar a la central (como es propio de él, en ningún momento es conciente de lo ocurrido y va a trabajar como un día más) el propio Olberman consigue inventar un antídoto que le devuelve a la normalidad. ¿O no?








The Homer show






Sí, aquí también tenemos la correspondiente dosis de obvias parodias cinematográficas, en este caso un clásico de los 90 por el que Jim Carrey hubiera merecido un Oscar.

Los estudios Fox (cuyos trabajadores reconocerán los fans más observadores como los tipos que vendían casettes de vocabulario en la tercera temporada) se encuentran cada vez más desbordados por cientos de cintas recibidas a diario para programas de humor de los incidentes en los que Homer se ve involucrado.

De esta forma, la cadena de Rupert Murdoch decide sobornar al alcalde Joe Quimby para que permita poner cámaras en todo Springfield con las que seguir el día a día de Homer.

Pronto, la familia empieza a notar como la gente de la ciudad actùa de forma extraña mientras reciben regalos publicitarios contínuamente, siendo Bart el primero que descubre la poco discreta furgoneta desde la cual se vigila el 742 de Evergreen Terrace y recibiendo a cambio de su silencio el cargo de productor ejecutivo.

Aunque hay referencias que se pierden fuera de EEUU (como las menciones que a lo largo de todo el ejemplar se hacen al fracaso de Millennium, procedimental de los creadores de Expediente X) este es un divertido comic cuyo final (que no spoilearé) es digno de cualquier episodio clásico de Los Simpson y en parte hace de hecho referencia a uno de ellos.




When bongos collide





En Simpsons Comics incluso tuvieron cabida los grandes eventos que empezaban a caracterizar al mundo de los superhéroes, como es el caso de esta historia que empezaba en el Nº3 de Rasca y Pica para continuar en el 5 de la serie principal (con pequeñas pistas en los anteriores de lo que iba a ocurrir) y finalizando en el tercero de Bartman, serie de 6 números en la que Bart era un justiciero con reminiscencias del Batman de Adam West.

Bart y Lisa están viendo la violenta serie animada como cualquier día cuando los extraterrestres Kang y Kodos (también grandes seguidores) tras secuestrar inicialmente a Jeremy Freedman (el adolescente pelirrojo) que hacía del gato Rasca en el parque temático Krustylandia consiguen traer desde el televisor de Los Simpson a los verdaderos personajes.





Aunque Lisa intenta explicar lo sucedido, Homer y Marge culpan de la inevitable destrucción en la casa a Bart, que se queda castigado sin poder ver un espectáculo de Krusty en la central nuclear. Durante la misma, Rasca y Pica provocan una grave explosión, y ahora el resto de habitantes de Springfield tiene superpoderes, enfrentándose unos contra otros. 






Siendo incapaz de hacer frente a esta amenaza únicamente con sus habilidades de enmascarado, un inusualmente ingenioso Bart consigue descubrir por qué está ocurriendo todo, y se infiltra en la nave rigeliana para así robar el invento causante y de esta forma atraer a Springfield a su gran héroe, Radiactivo Man. 

Con un gran dibujo y no pocas referencias al género, este crossover (que de nuevo, no revelaré su final por si alguien quiere buscarlo) resulta de lo más interesante de leer aún hoy hoy en día. Un buen punto de partida para un personaje que, además de los spin off ya mencionados, acabaría también saliendo en videojuegos.




¿Os gustaba Simpson Comics? ¿Tuvistéis estos ejemplares? Podéis hablar de ello como siempre en los comentarios.

viernes, 12 de febrero de 2021

Villanos que marcaron (SPOILERS)

Del Cabo de Gata

al de Finisterre

hay que ver la gente

como está con JR

("A JR", Pepe Da Rosa)


En un tiempo en que el terraplanismo genera a su alrededor hasta un equipo de fútbol, algo así no debería sorprender, pero aún así resulta triste pensar en ello: hay mucha gente (demasiada) que parece no distinguir ficción de realidad.

Hace unos días Amazon Prime empezó a anunciar el inminente estreno de El internado: Las Cumbres, el spin off de la popular serie adolescente de intriga de Antena 3 emitida entre 2007-10 (sí, a mi también me parece poco... qué tiempos aquellos de las 2 temporadas de series españolas al año) . Poco después de dicho trailer, el actor Daniel Retuerta denunció públicamente el acoso sufrido en redes sociales desde hace años por su interpretación de Roque, el traidor de la pandilla protagonista. 

Una vez explicado este triste suceso que por supuesto condenamos, hoy en Joróbate Flanders hablaremos de ese tipo de personajes a los que nos gusta odiar. Esos grandes villanos sin los cuales no existirían muchas de las historias que disfrutamos. Y sí, aviso desde ya como otras veces que habrá SPOILERS.


Joffrey Baratheon (Juego de tronos)




Como bien aprendieron con la controvertida octava temporada políticos de uno y otro signo que trataron de apropiarse de la figura de la Khaleesi Daenerys Targaryen (Emilia Clarke) , si algo caracteriza a Juego de tronos (producción de HBO basada en la saga Canción de hielo y fuego de George RR Martin) es ser una serie con una gran escala de grises donde nadie es "bueno" o "malo". O casi.




La primera temporada planteaba un gran conflicto entre la familia Stark (que controla el norte del ficticio contintente de Westeros) y los millonarios Lannister, con gran influencia sobre la monarquía de los Siete Reinos, con Tywin Lannister (Charles Dance) a la cabeza. 

Su hija Cersei (Lena Headey) provoca que su esposo, el rey Robert Baratheon (Mark Addy) se emborrache más de la cuenta durante una cacería sufriendo un accidente mortal. Esto convierte en heredero al joven e inexperto Joffrey (Jack Gleeson) a quien cree poder controlar. 

Pronto comprende su error cuando nada más ser nombrado ordena la muerte de Ned Stark (Sean Bean) que había descubierto que tanto él como sus hermanos no eran hijos de Robert sino que habían nacido del incesto de Cersei con su hermano Jaime (Nikolaj Coster-Waldau) pese a que esta le había intentado convencer de que fuera exiliado a la Guardia de la noche.

Desde estos finales de T1 a la cuarta, Joffrey va demostrando cada vez más su naturaleza sádica, ya sea disfrutando de torturar física y mentalmente a su anterior prometida Sansa Stark (Sophie Turner) u obligando a unas prostitutas a pelearse entre ellas hasta la muerte, una actitud que su tío y consejero Tyrion (Peter Dinklage) no duda en comparar con la del temido y odiado "Rey Loco" anterior a Robert.

Tras los eventos de la Boda Roja y la derrota del legítimo heredero Stannis Baratheon (Stephen Dillard) en Aguasnegras gracias a Tywin y Tyrion (algo que su familia, que siempre le ha discriminado por su estatura, no le reconoce a este último) Joffrey, pese a haber huído de la batalla, está a punto de consolidar su poder con su matrimonio concertado con Margaery Tyrrell (Natalie Dormer) . 

Este acaba siendo su error fatal, puesto que esta familia (cuya fortuna rivaliza con la de los Lannister) con ayuda de Petyr "Meñique" Baelish (Aidan Gillen) orquesta un plan para envenenar a Joffrey e incriminar en ello a Tyrion, pudiendo así partir Sansa a su Invernalia natal, lejos de la capital Desembarco del Rey.

Pese a su estupenda interpretación, poco habíamos sabido de Gleeson desde entonces. Y es que, de nuevo, durante algunos años prefirió centrarse en sus estudios y dejar de ser actor desencantado por los insultos sufridos. Ojalá volvamos a verle pronto en otro gran papel, lo merece.





Bellatrix Lestrange (Harry Potter)




Antes de que JK Rowling fuese más noticia por sus opiniones controvertidas que por el mundo literario, la franquicia Harry Potter fue todo un fenómeno de masas comparable (si no incluso más grande) al de Juego de tronos. 

Su antagonista teóricamente principal era Tom Riddle o Lord Voldemort, mago tenebroso que a punto había estado de conquistar toda Gran Bretaña de no ser por la misteriosa forma en que Harry sobrevivió siendo un bebé a su maldición asesina "avada kedabra" dejándole a su vez en un extraño estado espectral entre la vida y la muerte hasta que, 13 años después, su espía personal Peter Pettigrew "Colagusano" consiguió devolverle su cuerpo tras asesinar al joven estudiante de la casa Hufflepuff de Hogwarts Cedric Diggory.

Aunque desde el principio se nos habla de lo peligroso y temible que es Voldemort (al que, salvo Harry y Albus Dumbledore, todos llaman "el que no debe ser nombrado" o "el señor tenebroso" en el caso de sus seguidores, los mortífagos) con el tiempo queda claro que es un personaje que, de no ser por su maldad, casi daría más lástima que otra cosa. Tampoco ayudó en esta imagen la cómica interpretación que hizo Ralph Fiennes en las películas.




¿Era Rowling consciente de que su villano no funcionaba? Quizá nunca lo sepamos, pero en el cuarto libro (Harry Potter y el cáliz de fuego) donde se narra la "resurrección" de Riddle, hace su aparición un nuevo personaje mientras el protagonista presencia recuerdos de antiguos juicios contra mortífagos en el "pensadero" de Dumbledore. 

Se trata de Bellatrix Lestrange, y ya en esta breve primera aparición se marcaron las diferencias con otros magos de su mismo bando: mientras que gente como Lucius Malfoy fingía haber sido controlada por la maldición "imperius" convirtiéndose en ciudadanos respetables gracias a delatar a antiguos compañeros y donaciones de grandes sumas de dinero al ministerio de magia, Bellatrix estaba orgullosa de ingresar en la prisión de Azkaban proclamando que algún día saldría en búsqueda de su maestro.

En el quinto libro se produce la fuga de Azkaban tras unirse sus vigilantes (los dementores) al ejército de Voldemort, y nada más aparecer por primera vez, causa una de las muertes más impactantes de la saga, la de su tío (y el padrino de Harry) Sirius Black (único de su familia en ser elegido por la casa Gryffindor y no Slytherin) que había renegado de su linaje para unirse a la Orden del fenix. Mientras se burla de Harry por ello, vemos lo demasiado que disfruta usando la cruel maldición "cruciatus".





Bellatrix fue interpretada en cines por Helena Bonham Carter, y. al contrario que otros personajes (Bill Weasley, Dobby, etc) cuyo papel fue sensiblemente reducido (o directamente desaparecían, como el poltergeist bromista Peeves) tuvo una presencia mayor a la de los libros. 

Así, si en la sexta parte únicamente aparecía al principio, en la película dirigida por David Yates interviene tanto en la batalla de la torre de astronomía (que en el libro había supuesto la aparición de nuevos enemigos, los hermanos Alecto y Amycus Carrow y el hombre lobo Fenrir Greyback) como en un ataque a la casa de la familia Weasley ("la madriguera")  que fue creada para la misma.

Aunque buena parte del fandom esperaba que Bellatrix fuese derrotada por Neville Longbottom (sus padres habían enloquecido por su culpa y la noticia de su fuga le hizo abandonar su anterior actitud miedosa convirtiéndose en uno de los más importantes magos del "ejército de Dumbledore" que crean Harry y Hermione Granger) al final Rowling optó por un personaje que era quizá su total contrapunto en cuanto a personalidad: Molly Weasley, algo tan extraño como efectivo.






JR Ewing (Dallas)






De los muchos géneros de las series televisivas, uno de los más históricos en EEUU es el de la "soap opera", cuyo origen procede de las extintas radionovelas, y que en algunos casos han llegado a durar décadas enteras. 

Aunque normalmente eran seriales diarios, hubo algunas que llegaron al prime time, y quizá la más representativa en cuanto al éxito y relevancia que tuvo en la historia televisiva fue Dallas.




Dallas contaba la historia de la millonaria familia Ewing, propietaria del rancho Southfolk con importantes negocios petrolíferos, y las disputas internas que esta sufría debido al matrimonio de Bobby Ewing (Robert Duffy) con Pamela Barnes (Victoria Principal) hermana de Cliff (Ken Kercheval) que era el empresario rival del personaje que nos ocupa, JR Ewing, interpretado por Larry Hagman.

De la miniserie de 5 episodios que originalmente CBS tenía en mente, se pasó a una temporada completa de 29 episodios, y una renovación a una T2 de 25. El episodio final de esta, "A house divided", marcó un antes y un después, siendo posiblemente el origen del cliffhanger como lo conocemos.

Al final del episodio, JR sufría un disparo de un asaltante desconocido, algo que años después homenajearían en Los Simpson. Esto no soló creó revuelo en EEUU, sino también en países como España donde esta portada de la revista TP demuestra la "simpatía" que causaba el personaje ( y la poca importancia que en ese entonces parecía darse a los spoilers) .






Gracias a este episodio, Hagman consiguió un importante nuevo contrato convirtiéndose en uno de los actores televisivos mejor pagados y la serie se prolongó durante 13 temporadas hasta 1991, años en los que la inmensa popularidad de la serie llevó incluso a que la ciudad homónima albergara una de las más desastrosas carreras de la historia de la Fórmula 1.

Aunque aparentemente el último episodio de Dallas acababa con el suicidio de JR, para entonces nadie dudaba ya que lo que daba sentido a la serie era el carisma que Hagman daba a un personaje que, sin dejar nunca de ser el "malo", ya era el verdadero protagonista, y de nuevo haría su aparición en la TV movie de 1996 JR Returns (donde se revela que disparó a su imagen en un espejo) y su secuela War of the Ewings 2 años después.




Sí bien estos hechos fueron ignorados cuando TNT retomó la serie en 2012, una vez más JR aparecía como el gran enemigo de su propio hijo John Ross III (Josh Henderson) tan astuto y maquiavélico como él.

Por desgracia, tras una primera temporada de relativo éxito (aunque sin llegar a lo que fue antes) Larry Hagman falleció a los 81 años durante el rodaje de la T2. En lugar de limitarse a hacer desaparecer su personaje, la trama de gran parte de la temporada giró, como lo hiciera en su día la serie original, a resolver su asesinato. Todo un homenaje metatelevisivo.

Como siempre, podéis sugerir otros personajes en los comentarios. Dedicado a la memoria de Larry Hagman.

jueves, 4 de febrero de 2021

El comprador de Springfield. Disney+: la revisión del cine clásico

Los personajes que nunca veremos en Kingdom Hearts


Como bien ha parodiado Padre de familia en alguna ocasión, las versiones primigenias de los cuentos infantiles eran mucho más truculentas de lo que pudiera parecer, como es el ejemplo de La bella durmiente. Tuvieron que pasar 200 años de nada para unas versiones más suaves que fueron las que Walt Disney adaptó en una de sus producciones más ambiciosas.

Resulta inevitable pensar en esto siendo que, años atrás de la película que casi acaba con el hoy imperio multimillonario dueño de prácticamente todo ocio audiovisual, Walt se embarcó en otro proyecto personal que incluso para los estándares de los 40, resultaba de lo más controvertido. 

Sin presupuesto para hacer grandes películas animadas debido a la II guerra mundial, Canción del sur era una sencilla producción ambientada al final de la guerra de secesión que mezclaba animación e imagen real inspirada en los cuentos de Uncle Remus que le gustaban cuando era un niño. Una visión demasiado idealizada de los tiempos de la esclavitud.

Si bien ya entonces hubo protestas contra el estreno, eso no impidió que Canción del sur regresara a las carteleras a lo largo de las décadas de 1950, 70 y 80, además de una atracción de Disneyworld inspirada en la misma, Splash Mountain (hoy rediseñada para retratar Tiana y el sapo) . No obstante, en 1986 la nueva Disney dirigida por Michael Eisner ya empezaba a ver las cosas de otra manera. 

Esto se tradujo en que no saliese en EEUU en VHS (sí lo hizo en España, alcanzando precios de locura entre coleccionistas) mientras que en el trailer que veremos a continuación ni siquiera aparecía el personaje interpretado por James Baskett (quien ganó un Oscar por ello) haciendo hincapìé únicamente en los segmentos animados. Hoy en día la única forma de verla es a través de internet en ripeos de baja calidad.





Tras esto, toca volver a nuestra época. Hablar de la plataforma Disney+. Como recordaréis, a nuestro país llegó en marzo del pasado año, mientras que en EEUU lo hizo en noviembre de 2019. En esos primeros días saltó la primera polémica: Dumbo, ya de por sí el "clásico Disney" de metraje más reducido (apenas 64 minutos) debido a los problemas financieros que causó Fantasía, sería todavía más corta si cabe. 

Como supongo que a estas alturas no hago spoiler, Dumbo se hace amigo de unos cuervos. Estos cuervos eran una parodia un tanto desafortunada de la comunidad afroamericana, como de nuevo satirizó Seth Mcfarlane. 

Siendo conscientes de que, a fin de cuentas, era un momento clave de la película puesto que son quienes le enseñan a volar aprovechando sus grandes orejas haciéndole creer que sus plumas le otorgan poderes mágicos, finalmente rectificaron con un mensaje avisando del contenido, como ya venía haciendo Warner en algunos de los cortos de Looney Tunes.





Por supuesto, esto no es censura como muchos han dicho. Pero hay otras películas y series que sí han sufrido recortes. El caso más famoso por su viralidad en las redes sociales es el de 1, 2, 3... Splash, comedia de 1984 bajo el sello Touchstone Pictures. Precisamente el que creó Ron Miller para poder desarrollar el cine más adulto que los grandes jefes de la factoría del Ratón Mickey no querían ni en pintura. 

Inclusive el sistema del disclaimer parece que ya se antoja insuficiente, y en estos días, con la esperada Star a punto de llegar con Deadpool y Logan completando el catálogo de los mutantes Marvel, conocíamos que tanto Dumbo como otras películas con escenas delicadas como Peter Pan o Los aristogatos pasan a tener calificación +7, y por tanto son inaccesibles para perfiles infantiles.


¡No, hombre, no!

Por supuesto que hay que combatir el racismo, más aún en estos tiempos que corren. Pero, si se puede poner un aviso a El libro de la selva, ¿no se podría poner también (o hasta rodar un documental al respecto) a Canción del sur? ¿Es equiparable Peter Pan a, por citar alguna con la que comparte calificación, Los Simpson la película? Y en definitiva, ¿no es mejor reconocer que efectivamente se han cometido errores en el pasado (y no solo Disney) que querer hacer ver que eso nunca existió como Homer en los semáforos?

Este es un debate muy difícil de responder, pero hay que tener una cosa muy clara: ni entonces ni ahora se puede hablar de un posicionamiento político en que se hicieran películas de una u otra manera. Simplemente es amoldarse a la realidad de cada momento, como demuestra el hecho de que esta nueva Disney no sea en Europa o en EEUU la misma que en Rusia o en China, algo esto último que se reflejó a la perfección en South Park. Es el mercado, amigo

Para más información, recomiendo el documental Despertando a la bella durmiente (que podéis encontrar en D+) y el vídeo Woke Disney de Lindsay Ellis. Como siempre, podéis opinar sobre este tema en los comentarios.

viernes, 29 de enero de 2021

La vuelta de tueca a los memes: Simpsons Shitposting

Como muchos veréís en nuestra página de Facebook, que si no seguís, ya estáis tardando en ello, somos grandes fans de los memes o viñetas creadas por la comunidad de Los Simpson. 

En ellos, se da una vuelta de tuerca, dos, y mil, a escenas y situaciones ocurridas en la serie, sobretodo en sus primeras temporadas. Ayudándose sobre todo de la web Frinkiac, una locura más que genial, que contiene más de 3 millones de escenas de las temporadas 1 a 17 de Los Simpson, la película, así como páginas paralelas de Futurama y Rick y Morty, con opción a buscarlas por etiquetas o incluso usar el botón de aleatorio y perder allí toda la tarde.


¿Son rebuscadas? Si. ¿Nos encantan? Tambien.
 

La comunidad no hace más que retorcer y retocer estas creaciones, mezclando miles de situaciones, cogiendo las escenas más olvidadas, uniendo fragmentos de otras series e incluso temas de actualidad, pero... ¿Como surgió todo esto? 

Todo comenzó en Marzo de 2015, día en el que el usuario de Facebook Geddy Lean Johnson creó una página de memes sobre los Simpson, llamada Simpsons Shitposting. Está página que al principio solo contaba con la imagen que adjuntamos al final del parrafo de Krusty, ha acabado con un nuevo grupo con más de 46.000 miembros, con replicas en Instagram y Twitter, hilos en todo tipo de foros, etcetera. La página solo cuenta con las siguientes normas, descritas en la sección información:

 

Un shitpost de Los Simpsons no tiene en cuenta la calidad ni se define por lo mierdoso que es.
Postea porque quieres postear.
Postea lo que quieras.
Sin orden.
Sin ningun motivo oculto.
Sin importarte lo horrible que pueda ser.
Sin importarte los likes que puedas ganar.
Sin NSFW.
Sin edgelords.
Solo shitpost de Los Simpsons.
El arte es subjetivo.

 

El programa de Krusty con más éxito tras "La hora de Krusty el payaso"
 

Como suele ocurrir con muchas páginas de exito, la polemica llegó, esta vez por la decisión del creador de vender la página por 3.500 dólares a una empresa macedonía interesada en el amplio público que está tenía. La comunidad, que solo ofrecía su contenido por la diversión, no tardó en responder, llenando de spam la página y atacando a la empresa que había comprado la página. 

Estos intentaron frenar la situación con baneos, y explicando que nada iba a cambiar, pero el daño ya estaba hecho. Tras pocos días, la empresa ya estaba pensando en cerrar la página, por lo que recibieron una oferta de la comunidad: "os compramos de vuelta la página por 1.000 dolares. No son negociables, ya que nos da igual si la cerraís, por lo que es la última oferta". Finalmente la compañia accedió a venderla por 1.200 dolares, recaudando la comunidad el dinero vía GoFundMe, retornando esta web a quien siempre cuidó la página, los usuarios.


Primero llegan los macedonios, despues el poder, luego las titis.

La comunidad sigue funcionando, ahora convertida en un grupo de Facebook, y ha inspirado memes famosisimos incluso fuera de esta comunidad, como los videos de Lenny y su "Classical Gas", el "Marge Krumping", los referentes a los limones de Shelbyville, el genial canal de YouTube de Juiceone y sus "Sugarposting" o las rebuscadas escenas de Dark Simpsons. En algún caso, han llegado incluso a hacerse versiones en España, como es el caso del legendario diálogo de Gary Chalmers y Seymour Skinner sobre los "jamones al vapor".


 
 Hemos visto millones de veces este video. Os lo prometemos
 

Desde Jorobate Flanders confiamos en que la comunidad siga con sus locuras, y que estas queden lejos de ningun tipo de interes comercial. Nosotros, por nuestra parte seguiremos compartiendo estas mierdas en nuestra página, y apoyando esta clase de iniciativas. Y ahora, os dejamos con lo que estabáis esperando ver: ¡desnudos pornográficos shitposting a saco para todos!














viernes, 22 de enero de 2021

SNES reinventada: Los juegos del FX2

 



La era de las 16 bits había llegado tarde a España. Muy tarde. En especial, Super Nintendo, que lo hizo en 1992. Y sin embargo, en 1994 el cambio de generación ya era prácticamente una realidad. 

Mientras que diversas empresas anunciaban su entrada en el mundo de los videojuegos con mejor o peor fortuna, Nintendo parecía no tener tanta prisa, y entre retraso y retraso del esperadísimo Project reality, se había empeñado en intentar prolongar un poco más la vida de su hasta entonces consola más exitosa, y (como recalcaban una y otra vez en sus VHS) sin necesidad de periféricos como había hecho SEGA con su Mega Drive. 

Había nacido el chip Super FX, procesador incluido en determinados cartuchos que ofrecía gráficos 3D que, sin estar a la altura de lo que iban a ser PS1 o Saturn, resultaban bastante sorprendentes para la SNES. Mega Drive no tardó en tener su propia réplica, el SVP, con Virtua Racing y su peculiar cartucho como único exponente.

El chip FX funcionaba a una señal de 21Mhz, aunque era capado por un divisor de velocidad dejándolo a una velocidad de 10,5Mhz. Esta velocidad sí que se alcanzó con el chip FX2, aunque la comunidad jugona, siempre intentando dar una vuelta a todo, lograron hacer overclocking de los cartuchos con este primer chip, como bien explican en los foros de Sega-16.

Para los más comunes de los mortales también tenemos la opción de realizar esta subida de velocidad vía software, ya que el emulador RetroArch nos permite llegar hasta a un x10 de Overclock para este chip, teniendo resultados tan espectaculares como el siguiente:




Ojalá haber jugado así en la época


No solo esto, desde Shironeko Labs han logrado aplicar una de las principales características de los juegos de nueva generación, el famoso Ray Tracing, gracias a una modificación del chip y bajando la resolución, dando un alucinante resultado con características de reflejos de luz en los polígonos muy lejos de lo visto en las siguientes generaciones:





Solo queda un cyberpunk para SNES


Hoy en día, cuando se habla del Super FX, se piensa en 2 títulos. Por un lado, uno de los míticos del sistema, el shooter espacial Star Fox (o Starwing, como se le conoció en Europa) gran éxito de ventas con más de 4 millones de unidades, del que hace unos años por fin tuvimos su secuela completa gracias a SNES Mini. Por otro, una de las mayores decepciones en cuanto a hype, el juego de carreras Stunt Race FX, que patrocinaba el mismísimo Carlos Sainz, entonces en Subaru.







Menos conocidos son no obstante Vortex, Dirt Trax FX, o Dirt Racer, exclusivo este último del mercado europeo. Tras estos 5 juegos llegó la evolución de la evolución con el chip FX2, y de sus títulos hablaremos hoy en Joróbate Flanders.


Doom





Mientras que en Japón Mega Drive se había visto eclipsada por Nintendo, en EEUU la ahí conocida como Genesis supo hacerse con una importante cuota de mercado. Posiblemente por ello, mientras que en Japón ya había salido SEGA Saturn, SEGA of America lanzaba uno de los periféricos más controvertidos de la historia, Mega Drive 32X.

Aunque hoy día sabemos que esto dista de ser cierto, en revistas especializadas de la época como Todosega se insistía mucho en una idea: tener 32X y Mega CD equivalía a tener ya en casa una Saturn sin tener que comprar una consola nueva con su correspondiente elevado precio de lanzamiento. 

Pese a todo, en principio la cosa no pintaba mal. Contar en Mega Drive con conversiones más o menos dignas de lo que triunfaba en ese momento como Virtua Fighter o Star Wars Arcade resultaba todo un lujo, así como algunos que finalmente no llegaron como una conversión de Ecco the Dolphin. Lo más llamativo era todo un importante golpe de efecto: la licencia de Doom, uno de los pioneros del PC gaming tal como lo conocemos ahora.







Sin embargo, el contraataque de la "gran N" no lo esperaba ni la propia ID Software, y es que, según reconoció John Romero, ni siquiera planteaban como algo viable poder sacar un título de tal envergadura en SNES hasta que Sculptured Software (los desarrolladores de la saga Super Star Wars) desarrollaron por su propia cuenta un prototipo que les causó buena impresión. 

Por supuesto, era un juego bastante limitado con respecto a otras conversiones de la época como la de Atari Jaguar (que, no obstante, contaba con la incomprensible ausencia de toda banda sonora) y no digamos ya en ordenador, sufriendo de ralentizaciones, así como unos personajes demasiado pixelizados, pero resulta todo un milagro técnico que en algunos aspectos (particularmente, el sonoro) incluso podía mirar de tú a tú a la mismísima 32X, y para muchos fue el primer contacto con esta franquicia hoy en manos de Bethesda.








Super Mario World 2: Yoshi´s Island





Si hubo un juego que destacó por encima del resto en el lanzamiento de SNES ese fue el de Super Mario World (incluido con la máquina) que con sus desafiantes 96 niveles aún hoy es el favorito de muchos fans nostálgicos de la franquicia del fontanero, con la principal novedad jugable de poder avanzar (siempre que no fuera por un castillo) a lomos del dinosaurio Yoshi.

En años posteriores, fue Rare la que se llevó el protagonismo plataformero con la saga Donkey Kong Country, y la secuela (que solo fue tal en el mercado occidental, puesto que en Japón simplemente se llamó Super Mario: Yoshi Island) se haría esperar un lustro.





¿Puede ser que en un principio Shigeru Miyamoto tuviese en mente aquel juego que (no) odiaba para desarrollarlo? La intro hace inevitable pensar en ello, con una perspectiva tridimensional del escenario donde se ambientaba, muy diferente visualmente a lo que íbamos a jugar. 

En lugar de buscar que se viese "moderno", este juego (donde manejas únicamente a Yoshi, debiendo proteger a un Mario bebé al que trata de secuestrar el magikoopa Kamek) usaba las ventajas del FX2 de forma completamente diferente, con un estilo de dibujos infantiles. Pero no por ello resultaba menos innovador, sino más bien al contrario. 

En este caso, lejos de los clásicos gráficos poligonales que nos solían ofrecer los juegos que usaban este chip, se usó para el escalado y estiramiento de sprites, algo que se veía sobre todo en los jefes finales y por eso su inmenso tamaño en comparación con otros juegos, y para añadir más capas de scroll parallax, algo que era más que patente en el jefe final del juego.





Este Bowser reemplazará a la ballena en tus pesadillas


También cabe destacar las transformaciones de Yoshi en avión, coche o tren, donde en esta última era el jugador quien disminuía de tamaño para así mimetizarse con la pared y recoger así monedas aparentemente inaccesibles. Años después, contaría con una conversión algo más limitada en Game Boy Advance, y hoy lo podéis encontrar entre los juegos online de Switch.







Winter gold







Uno de los artículos más exitosos de Joróbate Flanders (inclusive portada en Menéame) fue el que dedicamos a los VHS promocionales. En el que posiblemente fue mi favorito, Alto riesgo, uno de los primeros juegos que aparecía para SNES me llamaba mucho la atención. No obstante, nunca fui muy aficionado a los deportes de invierno, y con el tiempo lo fui olvidando hasta que empecé a sentir curiosidad por la historia de los videojuegos.

Winter Gold es obra de Funcom, una compañía noruega no muy conocida, aunque creadores del memorable The Longest Journey, aventura gráfica que fue más que conocida por estos lares gracias al buen hacer de la ya extinta FX. Apareció ya casi al final de la generación de consolas, hecho por el cual, aunque hubiera una versión para América en planificación, nunca llegara a salir del territorio PAL.







El juego hacia un genial uso de la potencia extra del chip FX2, mejorando mucho el rendimiento comparado con juegos que usaban el primer chip. No solo fue el rendimiento del chip, sino también el truco que realizaron, ya que como explica uno de los artistas gráficos en su pagina web, todos los fondos fueron videos convertidos a gráficos vectoriales, invirtiendo Nintendo 50.000 dólares para la compra del hardware y software necesario para este tipo de desarrollo.

A pesar de tener los fondos de estas características, el juego no da la sensación en ningún momento de ir sobre railes en ninguna de sus seis pruebas, y debido a las características del juego, se le echa en falta un modo multijugador, aunque tras la experiencia vivida con Stunt Race FX, se entiende la ausencia de este.






¿Llegásteis a probar alguno de estos juegos? ¿Cual fue vuestra experiencia con los mismos? Podéis recordarlo como siempre en los comentarios.

Wandavisión: arranca la fase 4 de Marvel (SPOILERS)

  Tras casi 2 meses después de nuestras primeras impresiones  en Joróbate Flanders, este viernes llegó el lanzamiento más esperado de Disne...